La Pintura en el Renacimiento

El renacimiento es un período de renovación cultural, artística, literaria y científica, que se lleva a cabo entre los siglos XIV y XV en Europa. No existe un evento que podamos considerar como desencadenante principal del movimiento renacentista, a pesar de que los siglos XV y XVI fueron testigos de grandes eventos. Como fueron: la caída de Constantinopla, la conquista del sureste europeo por los turcos, el descubrimiento de nuevos mundos.

Los fundamentos del origen del renacimiento se encuentran en el desarrollo de los conceptos naturalista y científico, cuyos orígenes se vislumbran ya desde el siglo XII y se prolongan bajo el naturalismo gótico.

Aunque no hay un inicio claramente definido, los diferentes autores están de acuerdo en que el renacimiento se hace patente, en el momento en que la gente empieza a darse cuenta de que ya no vive en la edad media.

Sus propios intereses son diferentes y tiene mayor conciencia de sí mismo y de su desempeño sociocultural. En contraste con la gente de la edad media que no tenía claridad sobre su existencia en una época diferente de la época clásica antigua.

El pasado consistía para ellos en el a.c. y d.c.: la era de la “ley” que corresponde al viejo testamento y la era de la “Gracia” después del nacimiento de Cristo.

Desde ese punto de vista la historia se basaba en el cielo y lo “divino” siendo fundamental el concepto religioso y no los eventos humanos y terrenales. Para el renacimiento con los acontecimientos humanos los que adquieren prioridad.

Ida palabra renacimiento pertenece al vocabulario religioso y se refiere al segundo nacimiento de un ser que había perdido la vida después del milagro de Notre Dame en el siglo XI\XII.

El significado estricto del renacimiento consiste como su nombre lo dice en el renacer de la Grecia clásica:

Es el cuestionamiento sobre la influencia religiosa para despertar en el concepto humanista y la renovación de la importancia del ser humano.

Es un período de descubrimientos y cambios: se sustituye el sistema copernicano por el ptolemaico en la Astronomía, cae el feudalismo, crece el comercio y se inventan el papel, la imprenta, el compás marino y la pólvora. La imprenta permitió la difusión del arte de esta época favoreciendo así este nuevo movimiento cultural.

Sin duda alguna el gran interés por la naturaleza humana y la renovación de la dignidad del hombre, permite la conciliación de lo humano con lo divino sin reacciones hostiles, ataques ni rivalidad. Es un período que se caracteriza por su sincretismo, reforzado por un interés primordial: el ser humano.

Esta nueva actitud propiciada a través de la inspiración crítica y el pensamiento libre, llevan a un proceso de libertad y de reconocimiento de valores, que se hacen patentes en cada una de las comentes artísticas.

Figura 1. El matrimonio de los Arnolfini.

Si queremos sintetizar los elementos propios del arte y la pintura en el Renacimiento

Podemos agruparlos en siete características básicas, que integran los conceptos esenciales de esta época.

Estos elementos fundamentales fueron: la observación del mundo y la representación de sus detalles, tres principios matemáticos: el balance, la armonía y la perspectiva. La inmensa variedad de posibilidades pictóricas que ofrece la nueva técnica de pintura al óleo. Así como la integración de las artes, la representación del desnudo, el retrato y la firma de las obras.

Los más mínimos detalles de un paisaje o una escena comienzan a cobrar importancia y a ser resaltados con el fin de darlos a conocer bien por sí mismos o como parte de un simbolismo integral. El reconocimiento de la perspectiva y su aplicación a las obras, nos ofrece escenas o lugares más reales. Con mayor gracia y mejor adaptación al ojo del espectador.

Antes del renacimiento la técnica utilizada para pintar era la pintura al temple, que consistía en utilizar pigmentos de color mezclados con yema de huevo generando una mezcla fina, resistente, no muy homogénea y de rápido secado.

La técnica de pintura al óleo

Le fue atribuida inicialmente al maestro Jan Van Eyck, pero la pintura al óleo ya se utilizaba en la edad media sobre superficies de piedra o metal. SGlo hasta el renacimiento se utilizó para la pintura sobre lienzo, llegando a ser admirablemente trabajada por los flamencos.

La mezcla obtenida de los pigmentos de color en medio viscoso, permite una mezcla homogénea con mayores posibilidades de tonos, películas translúcidas y sombras aterciopeladas desconocidas hasta ese momento, logrando así mayores efectos de tipo tridimensional.

Se realizan obras magistrales sobre el manejo de las telas y ropajes que no habían sido posibles, además de permitirle al artista una creatividad sin límites de corrección y perfeccionamiento. De igual forma la profundidad en la atmósfera de los paisajes es lograda con mayor precisión.

Por primera vez en la historia del arte, vemos como se ven integrados los diferentes tipos de arte como son la pintura, la arquitectura y la escultura. Muchos de los artistas de esta época conocen y desarrollan sus habilidades en cada una de estas áreas y podemos apreciar en gran parte de las obras, como las expresan en forma simultánea y armónica.

Nace el interés por todos los conceptos que aportan una obra de arte más nítida, más completa y plena de sensibilidad.

La representación del cuerpo humano abandona su connotación pecaminosa y prohibida para convertirse en la manifestación más notable del artista. Se estudian los contornos, el movimiento, la fuerza, las formas, el volumen, los escorzos y todas aquellas cualidades que permiten una representación dinámica y natural.

Se pretende así devolver al ser humano su legítima importancia, perdida durante la edad media y el cristianismo, regresando al interés mostrado por los griegos en el realce y aprecio de cada uno de los detalles de la figura humana.

Convirtiéndose el ser humano en el eje de las expresiones artísticas, el retrato pasa a ser un objetivo importante para el artista. Anteriormente sólo se pintaba un rostro sin claridad, sin expresión, sin interés.

En el renacimiento vemos surgir las características de la personalidad del modelo, sus rasgos, su temperamento, su entorno y la trascendencia de la posición social de aquellos personajes de alto rango.

Así mismo el autorretrato cobra importancia porque el mismo artista reconoce su valor, que proyecta a la sociedad que representa.

Es tal el valor que adquiere el artista que se comienza a firmar las obras. En la edad media los autores de las obras se desconocen.

Como toda época en la historia del arte, el renacimiento tiene un período de “incubación”. Donde se observan los primeros artistas con tendencias renacentistas. En este caso específico, el precursor del renacimiento reconocido por los historiadores desde el punto de vista pictórico es Giotto.

Aunque Petrarca nunca le otorgó los créditos merecidos, Bocaccio, uno de sus seguidores, es quien le otorga todo su valor pues afirma que Giotto interpreta los diferentes aspectos de la naturaleza en forma tan fidedigna, que la gente toma sus obras como una interpretación de la realidad misma.

Figura 2. Tríptico de los Portinari

Posteriormente se confunde un mismo período bajo dos nombres: el gótico tardío y el renacimiento temprano, donde vemos surgir los artistas más reconocidos del arte flamenco. El más importante de ellos en mi opinión, es Jan Van Eyck (1390-1441) quien logró desarrollar la mejor habilidad para el manejo del óleo, como podemos apreciarlo en su obra maestra: el matrimonio de los Arnolfini.

Esta obra podría tomarse como un certificado matrimonial de la época donde se observan muchos detalles simbólicos como la única vela prendida, los zapatos, el perro, los muebles, que aluden a este momento en particular.

Sin embargo, lo más interesante de la obra son los magníficos detalles sobre el espejo, los cuatro personajes allí reflejados, el manejo de los colores de las piedras y la expresión calmada de sus personajes.

Fue además el primer artista que desarrolló el efecto de la “perspectiva atmosférica”. Que consiste en obtener la sensación de la bruma o neblina que se observa a lo lejos y que nos recuerda que la atmósfera nunca es transparente. Aún en el día más claro se observa interferencia con las formas y las figuras y este efecto se logra alternando capas translúcidas y opacas de pintura al óleo.

Tenemos también a Roger Van Der Weyden (1399-1464):

Quien se dedica más a los detalles de la interpretación emocional del drama gótico en este nuevo estilo y se destaca por su habilidad en los detalles de los rostros y mayor carácter en las expresiones.

Por otra parte Hugo Van der Goes (1440-1482):

Es un personaje caracterizado por su personalidad turbulenta y depresiva, considerado como un genio infeliz que termina suicidándose y a quien podemos en cierta forma comparar con Van Gogh.

Una de sus obras más ambiciosa es el triptico de los Portinari, que es una obra de la familia Portinari, cuyos miembros se encuentran representados en forma empequeñecida frente a los personajes religiosos.

Vemos como esta obra no guarda una proporción en sus dimensiones, porque el mensaje del artista es precisamente dar a cada uno de los representados un determinado valor a través de su tamaño como parte de un simbolismo intencional. El manejo de la perspectiva se hace mucho más evidente.

Hyeronimus Bosch (1450-1516)

Otro representante del renacimiento del norte de Europa, es Hyeronimus Bosch (1450-1516) quien se destaca por una de sus más ricas y enigmáticas obras llamada el jardín de las delicias.

Es una obra en formato tríptico en donde representa tres momentos religiosos: en el ala derecha el Señor presenta a Adán a su recién creada Eva, en el centro el paraíso y en el ala izquierda el infierno. Incluyendo en cada una de las escenas, figuras fantásticas, animales exóticos, simples figuras humanas y gran cantidad de detalles provenientes de una naturaleza imaginada. Se observa claramente como el concepto de infierno antiguo se compone de una serie de torturas, en ocasiones diseñadas con finos instrumentos y sufrimientos de toda índole.

Conrad Witz

Destaquemos también al alemán Conrad Witz (1400/10-1445/6) por su gran habilidad en el manejo de las telas, llegando a crear piezas muy claramente satinadas de gran calidad. El francés Jean Fouquet (1420-1481) mezcla en sus obras características los flamencos y elementos del arte italiano especialmente arquitectónico, al tener la oportunidad de visitar Italia alrededor de 1445.

Figura 3. La Virgen con el Niño y dos Ángeles

Si pasamos al renacimiento italiano podemos mencionar a Masaccio (1401-1428):

Artista que se hizo famoso a los 21 años y murió 6 años después. Se caracterizó por su gran magnificencia en la representación de frescos, siendo el más importante el de la Santísima Trinidad que se encuentra en la iglesia Santa María Novella en Florencia. En esta obra se aprecia maestría en la perspectiva y la distribución de la composición.

El sacerdote Filippo Lippi (1406-1469) desempeña un papel importante en el estilo florentino de la segunda mitad de siglo:

El sacerdote Angelico (1400- 1455)

Humanizando las figuras, atribuyendo una gran importancia a la luz, el color y los más mínimos detalles. El sacerdote Angelico (1400- 1455) es quien más conserva los rasgos de Masaccio como el orden espacial, el rigor de sus obras y su dignidad.

Piero de la Francesca (1420-1492)

Otro de los grandes artistas que se reconoce más por sus frescos es Piero de la Francesca (1420-1492) con una admirable percepción de las proporciones matemáticas. Paolo Ucello (1397-1475) se interesa mucho más por la distribución de las figuras y el contenido de sus obras que por la forma.

Sandro Botticelli (1444/5-1510)

Formado por Filippo Lippi, se convirtió en uno de los artistas favoritos de los Médicos y uno de sus miembros encarga la obra el nacimiento de Knm, donde se observa un efecto de bajo relieve por el énfasis en el trazado. Los cuerpos aún no poseen tanto detalle anatómico, pero se hacen más humanos y reales. Piero di Cosimo (1462-1521) ilustra un punto de vista de la mitología pagana completamente opuesto a los neoplatonicistas.

En vez de espiritualizar los dioses paganos, los trae a la tierra para convertirlos en seres de carne y hueso. Domenico Ghirlandaio (1449-1494) pcsee una gran influencia flamenca en sus obras. Prieto Perugino (1450-1523) quien fue sobrepasado por uno de sus alumnos: Raffael.

Luca Signorelli (1445/50-1523)

Posee una gran habilidad para la representación humana y distribución geométrica de sus obras. Andrea Mantegna (1431-1506) adquiere una fama rápida y tiene contacto directo con Donatello. Junto a Masaccio se convierte en uno de los artistas más importantes del renacimiento temprano, guardando un estilo propio y definido a todo lo largo de su obra.

Sus obras más reconocidas son los frescos de Padua. Giovanni Bellini (1431-1516) dotado por una gran sensibilidad en sus obras y reconocido como uno de los pintores venecianos más importantes de la época. Integra hábilmente la figura humana al paisaje dentro de una perspectiva atmosférica finamente lograda.

Figura 4. El nacimiento de Venus

El renacimiento tardío está representado por artistas de gran renombre como:

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Quien fue alumno de Verocchio y se reconoce por su gran habilidad en diferentes ramas artísticas además de sus diversos conocimientos y capacidad creativa de invención. Entre sus obras más destacadas tenemos la adoración de los magos, que quedó inconclusa, a pesar de ser una de sus obras más ambiciosas desde el punto de vista artístico.

Realizó múltiples estudios previos y desarrolló el método de modelación conocido como claro-oscuro. Se caracteriza además por su diseño piramidal y la gran fuerza de sus componentes anatómicos. Tenemos también la I/li-gen en las rout, en la que las figuras emergen de la semioscuridad y se puede percibir la atmósfera húmeda que rodea los personajes, dándole un efecto particular de intimidad a la escena, creando una ilusión más que una realidad. Es el primer artista en darle un tratamiento misterioso a este tema: el aislamiento, la piscina al frente y la vegetación.

La Última Cena

Es la obra reconocida como el “clásico” del renacimiento tardío: este mural se encuentra en Santa María de la Gracia en Milán, de gran formato que llega a medir 4,6 x 8,0 metros. Desafortunadamente esta obra mostró deterioro muy poco después de haber sido terminada, ya que este óleo no adhiere bien a la pared.

Es una composición de gran estabilidad donde cada personaje cobra su propia individualidad, dentro de una distribución por grupos de tres personajes. Hoy en día no se pueden apreciar claramente los detalles de las expresiones de cada uno de ellos, pero se observa un gran trabajo en el movimiento y representación de cada personaje.

Finalmente la Monalisa

Es una de sus obras más famosas, probablemente no por la obra en sí, sino por el misterio que rodeó este personaje durante muchos años. Por otra parte, vemos una gran calidad en el manejo de la sicología y de la personalidad, la sonrisa “arcaica” de los griegos y la delicadeza del personaje. Existen dos versiones sobre la misteriosa y controvertida modelo: puede tratarse de la esposa de un comerciante florentino llamado Giocondo y de allí su nombre de la Gioconda y a quien se le atribuye un desnudo también pintado por Da Vinci. O puede tratarse de un autorretrato de Da Vinci vestido de mujer.

Esta segunda posibilidad es completamente válida si tenemos en cuenta que en el renacimiento la homosexualidad era completamente natural y en ocasiones necesaria para escalar posición y reconocimiento dentro de la sociedad. El intercambio de atuendos femenino y masculino hacían parte de reuniones y celebraciones.

Figura 5. La ultima Cena

Miguel Ángel (1475-1564)

Es uno de los genios ejemplares convencido de la grandeza de sus obras. Su mayor expresión artística se encuentra en la capilla Sixtina en Roma, obra que tardó 4 años en realizar. Raffael (1483-1520) conserva el estilo más representativo del renacimiento tardío. Reunía cualidades tanto de Leonardo como de Miguel Angel: lírico y dramático, pintor creativo y escultor sólido.

Giorgione (1478-1510)

Contribuye más a la representación de paisajes como tema central. Tiziano (1488/90-1576) posee una gran influencia de las obras de Giorgione. Entre sus obras más importantes contamos con el baranal que trata un tema definitivamente pagano, bajo tonos cálidos y suaves que contrastan con tonos vivos y las formas definidas de las figuras humanas.

El concepto de Tiziano sobre la antigüedad es muy diferente del de Raffael: el reino de los mitos clásicos hace parte del mundo natural, animado no por estatuas sino por seres de carne y hueso que invitan al desorden.

Entre los artistas más destacados del renacimiento del Norte tenemos:

Albrecht Dürer (1471-1518)

Es el artista reconocido como el más renacentista de todos los renacentistas, por ser el primero en mostrar su fascinación por su propia imagen, representándola desde los 13 años de edad.El atrtorretrato más conocido es el que muestra una imagen idealizadora de Cristo con gran influencia flamenca.

Lucas Cranach (1472-1553)

Muestra una gran fantasía en sus obras y sus figuras humanas carecen de sensibilidad anatómica, pero guardan un rigor muy original. Mencionemos otros artistas muy conocidos como Albrecht Aldorter (1480-1538) y Baldung Grien (1484/5-1545).

Todo movimiento o período artístico cuenta con un comienzo que podemos llamar periodo de “incubación”, posteriormente se observa el movimiento mismo expresado en toda su magnitud y con el mayor auge y finalmente vemos un período de decadencia que sólo significa transformación hacia un nuevo movimiento. En la Figura 6.

La Monalisa caso del renacimiento vemos como ese período de incubación corresponde al gótico tardío que se confunde con el renacimiento temprano, luego viene el renacimiento como tal y finalmente vemos una transformación hacia el manierismo que se caracteriza como su nombre lo dice por el amaneramiento de las figuras.

Figura 6. La Monalisa

El manierismo es la tendencia pictórica propia del siglo XVI, que consideró el arte como una creación mental sin inspiración directa sobre la naturaleza. Se caracteriza por su anticlasicismo y desequilibrio formal, composición compleja, adelgazamiento de la figura humana y especialmente un gran afán por los detalles lujosos, adornados y elegantes.

Entre los artistas más conocidos del manierismo de Roma y Florencia tenemos a:

Rosso Fiorentino (1495-1540), Pontormo (1494 -1556/7), Parmigianino (1503-1540), Agnolo Bronzino (1503-1572), Giorgio Vasari (1511-1574).

El manierismo de Venecia está representado por Jacopo Tintoretto (1518-1594) quien deseaba pintar como Tiziano y dibujar como Miguel Angel; pero definitivamente se hace notable por el manejo de la luz; Domenikos Theotocopoulos mejor conocido como El Greco (1541-1614); proveniente de Creta desarrolla su arte bajo las reglas venecianas, pues se radicó en Venecia a los 19 años de edad.

El manierismo no logra dominar fuera de Roma, Florencia y Venecia, compitiendo así con otras tendencias como es el caso del realismo. Como su nombre lo dice, el realismo pretende mostrar las escenas, personajes o paisajes de la forma más real posible. Uno de sus representantes más conocidos es Paolo Veronese (1528-1588) quien evita alusión a toda referencia sobrenatural.

Finalmente en el último decenio del siglo XW, el manierismo y el realismo van a transformarse en el movimiento barroco.

Esta rápida revisión de la pintura en el renacimiento; no pretende cubrir todos sus personajes ni las obras que caracterizaron este período tan destacado en la historia del arte; sino dar a conocer una visión general sobre sus posibles orígenes, elementos fundamentales y cualidades que definieron esta gloriosa época; a través de la mención de algunos de sus principales protagonistas.

PL*Mónica Duarte Romero
*Hematóloga. Fundación Santa Fe de Bogotá

Bibliografía

1. Faure P. La Renaissance. Que sais-je? 10 Ed.1994
2. Gombrich EH. Historia del Arte. Alianza Forma 5 Ed.1984.
3. Hauser A. Historia social de la literatura y del arte 18 Ed. 1983
4. JarisonHWHistoryofArt HarryNAbm. 1995